写真界の伝説、荒木経惟の最新フォトブック

須々田美和：荒木という写真家は、言ってみれば日本の写真と同義です。彼の作品は、意識的であれ無意識であれ、ナン・ゴールディン(Nan Goldin)や ヴィヴィアン・サッセン(Viviane Sassen) ユルゲン・テラー(Juergen Teller)など、80年代や90年代に活躍した写真家に多大な影響を与えました。そして今度は、その彼らが、私が出版してきた写真家の多くに莫大な影響を与えました。なので、荒木の作品集を出版することは、一周して元に戻ることを意味しています。岡部桃やレン・ハン、横田大輔の写真は、荒木の作品なしには存在しなかったはずで、 荒木の作品に立ち返ることは、 現在のイメージの多くがどこに由来するのかを思い出す方法のひとつなのです。

この作品は、３つのメディア、写真と絵画と映像が交差するものなのですが、荒木自身、これを最も重要な作品の一つだと考えています。私も同感です。この作品からは遊び心と実験的姿勢が感じられます。彼がこの作品の中で自分自身を追い込んでいるのは明白で、アーティストが、鑑賞者に対してと同じように、自分自身に対しても挑戦的になることは素晴らしいと思います。もちろん、作品自体がとにかく美しい上に、ほとんど見たことのある人がいない作品であることは言うまでもありません。

そうですね、主題のために彼らの作品を出版することにしたわけではないですが、おっしゃる通りだと思います。私は、ある種、衝撃を与えてくれるような挑戦的なアーティストが好きですね。ただ、彼らの作品の美しさは、何か新しいことをしようという意図的な計算にあるのではありません。彼らの写真は正直で、自分自身に忠実です。挑戦的であり、かつ偽りのない作品に魅力を感じるんです。

コロンビア大学で美術史を学んだ友人がいて、アメリカのミニマリズムが専門の、ある著名美術批評家の授業をとっていたんです。この教授は荒木の作品を軽蔑していて、荒木の作品はアートとはいえないと考えていたそうです。彼女の考えがどこから来るものかは、よくわかります。でも、彼女は彼の作品を理解するための経験も関心も持ち合わせていないだけで、その意味では、彼女は自分の限界をわかっていないのだと思います。「美術史」というのは、少なくとも彼女が思い込んでいる類のものは、西洋美辞術にのみ適用可能な、ある種の知的メカニズムに依拠した言説の発展の歴史です。

荒木は、このように制度化された考えに基づいて厳しい批判を受けてきました。ですが、西洋社会におけるセクシュアルティとの関係とは完全に異なるものなのです。そのため、彼の作品を西洋においても伝わるものにすることが、私の仕事だと思っています。

レンの作品には、本当に衝撃を受けました。荒木の写真と同じく、彼の作品は表面的には非常にシンプルで、人々はそれを否定的に受け取ることもあります。でも、私は彼の写真には根底にどす黒いものがあることに気づきました。アジア人のひとりとして、私もこういう感性に共感するところがあり、すぐに引き込まれました。レンと同じように、私にもすごく黒い部分があって自滅的な気持ちになることがあります。自分自身でしっくりこないことも多くて、生まれながらそういうものを背負っているような気がしています。こういう話をすることで、ネガティブになりすぎなければいいんですけど。でも、私の人生では、これが事実なので仕方ないんです。きっとこれは多くの人が同じように抱える感情で、レンはそれを写真の中で表現することができるのだと思います。だからこそ、これほど人気が出たのではないでしょうか。

間違いありません。さらに、あれだけ心に響くような作品を作りながら、そのことを彼はさほど真面目には受け取っていないという事実が、人々の琴線に触れるのです。忘れられないのが、2015年の寒い冬の間で、私たちの初めての写真集『New Love』のために、レンが屋根の上で撮影していたときのことです。彼のおおらかさに心底衝撃をうけました。レンは、撮影の直前にモデルに赤いマニキュアを塗るように言ったり、カメラの一部が壊れると、ゴミ箱に捨てられていたいらなくなった搬入用のテープを使って、その場で直したんです。日本人的には、こういうおおらかさはありえません。私たちは、実際のイベントの前に、何もかもを完璧に準備しますから。行き当たりばったりに偶然に任せることなどありえないのです。日本人は、何かを作るときの情熱を維持することを考えるより、最終的な完成品を完璧にすることに集中する傾向がありますから。

ええ。それが、彼の作品や彼に親しんだ写真家の作品がこれほど爆発的な人気を得た理由でもあると思います。とはいえ、長年にわたるアーティストたちの抵抗にもかかわらず、日本はまだかなり抑圧的な場所です。それもあって、Session Pressは性質上はかなり日本的である気がします。他のアメリカの出版社と比べても、多くの限界が私にはありますから。英語は私の第一言語でもないし、私の見た目も完璧ではなく、若くもありません。でも、こういう制限や不利な状況こそが、実は、ニューヨークのフォトブック業界で働く他の人の中で、私を際立たせているのだとわかりました。

そうですね。そのために、私は意図的に日本人以外のチームメンバーと仕事をすることを選びました。多角的な視点を取り入れるうえで、彼らの意見が役立ちます。西洋の受け手が、ただそのまま見せられて、日本の写真を理解してくれるだろうと期待するのは、思い上がりだと思うので。

Session Pressの立ち上げを決めたのは、自分のダシュウッドでの立ち位置がかなり特異なものだと気づいたあとです。ダシュウッドでは、じかにフォトブックのコレクターと出会い、長期的に持続可能な偽りのない関係を築く、素晴らしい機会を得ました。最近の傾向でいえば、オンラインで何か企画をやるのが、売り上げを伸ばすには、確かに効果的です。でも私の経験上、物理的な存在を前にした方が、クライアントとより深い関係を築けると思います。私はダシュウッドでの仕事を通じてお客さまと直接関係を築き、日本の写真のアンバサダーのようなことをしたかったんです。フォトブックの本質は、それが実際にそこに存在する、ということです。そのため、じかのコミュニケーションが重要なんです。オンラインで見るだけでは、フォトブックの良さを完全に味わうことは決してできません。

とても若い頃からアート関連の仕事がしたいと決めていて、長い間、自分にとって理想的な分野を探していました。私が写真とフォトブックを選んだのは、日本の写真の評価が西洋で評価が高いにもかかわらず、それを本格的に扱うような出版社がなかったからです。特に、日本人によって立ち上げられた出版社は皆無でした。私の希望は、フォトブックの世界にささやかでも重要なスペースを作り上げ、そこから普段はほとんど耳にすることのないような声を届けることです。